Как отличить картины известных художников

55% работ русских художников на рынке — подделки. Как технологии помогают распознать фальшивки

Удар по карману и репутации

Занятный факт: покупатели дорогих картин скрывают свои имена не только из-за риска быть обманутыми. Они боятся, выложив круглую сумму, стать посмешищем, если приобретенное ими произведение искусства окажется не более чем подделкой. Шансы подобного исхода велики.

Три года назад искусствовед Эрик Форкада заявил, что 82 из 140 картин Музея Этьена Террюса в Эльне не принадлежат кисти французского художника. Власти оценили ущерб от покупки подделок в 160 тысяч евро. В 2016-м основатель Музея Фаберже в Баден-Бадене Александр Иванов указал на две фальшивки в каталоге Russian Works of Art, Faberge and Icons аукционного дома Sotheby’s. За четыре года до этого Виктор Вексельберг отсудил 3 миллиона евро у Christie’s за проданную его фонду подделку «Одалиски» Бориса Кустодиева.

С работами художников-соотечественников ситуация еще более плачевная. В апреле специалисты лаборатории научно-исследовательской независимой экспертизы им. П.М. Третьякова сообщили, что 55% работ всех русских авторов на рынке — фальшивые. За 13 лет исследований подлинность подтвердилась только у семи тысяч предметов искусства из 16. Главными жертвами фальсификаторов назвали советских художников-нонконформистов Владимира Вайсберга, Дмитрия Краснопевцева, Анатолия Зверева и Евгения Рухина.

По словам сооснователя НИНЭ им. П.М. Третьякова Александра Попова, ситуация усугубляется почти полным отсутствием в Европе и США экспертов по русским художникам. Описание же и историю владения картиной, на которые ориентируются дилеры и аукционные дома, легко подделать, чем и пользуются арт-фальсификаторы. Чтобы обезопасить свои вложения в искусство и, что важнее, репутацию, коллекционеры все чаще идут за независимой экспертизой — только за минувший год число таких обращений выросло на 14,5%.

Слева: Фрагмент иконы начала XVIII века; справа: снимок, полученный с помощью SWIR-камеры Фото: Пресс- служба «Ростех»

Не выходя из дома

С приходом коронавируса многие галереи либо закрылись, либо нашли спасение в онлайн-среде. В сентябре 2020 года на ярмарке Cosmoscow прошла дискуссия «Онлайн и без посредников: как пандемия изменила арт-рынок». Управляющий партнер платформы по продаже современного искусства и коллекционного дизайна TEO Анна Андронова отметила, что за время пандемии продажи у галерей сократились на 36%, а онлайн-выручка выросла на 40%. По словам Андроновой, отношение к онлайн-галереям в целом изменилось в лучшую сторону — от настороженного к доверительному.

Из-за COVID-19 на онлайн-платформу перешли и крупные аукционы, например уже упомянутые Sotheby’s и Christie’s. Совокупный объем продаж обеих площадок в 2020 году составил 9,4 миллиарда долларов. Торги ONE в реальном времени проходили в Гонконге, Париже, Лондоне и Нью-Йорке и принесли рекордные 420 миллионов. И хотя обороты аукционных домов уменьшились, сильного падения не произошло — выручили онлайн-торги и частные продажи, отмечает The Art Newspaper Russia.

Это значит, что со сменой формата спрос на произведения искусства сохранился, а где-то даже и вырос. Вместе с этим увеличился и запрос на гарантии: коллекционеры хотят быть уверены, что в их руки попадает подлинник, а не имитация.

Слева: Фрагмент иконы начала XVIII века; справа: снимок, полученный с помощью SWIR-камеры Фото: Пресс- служба «Ростех»

Направление на рентген

В арсенале фальсификаторов есть несколько основных приемов подделки картин. Один из наиболее простых, а потому популярных — перелицовка. Для этого используются старые, но не слишком ценные полотна. Подпись настоящего автора стирают с холста, взамен наносят имя известного мастера. В 2004 году публику шокировала новость о снятии с торгов Sotheby’s работы Ивана Шишкина «Пейзаж с ручьем». Несмотря на заключение экспертизы, подтверждающей подлинность полотна, картина оказалось подретушированной работой голландского художника Маринуса Адриана Куккука.

Другой способ — создание подделок с нуля. Как и в случае с перелицовкой, в ход идут старые работы: мошенники счищают с полотна краску и пишут картину заново. В результате по возрасту холста подлог распознать невозможно. Именно этим методом пользовался знаменитый фальсификатор XX века нидерландский художник Хан Ван Мегерен, прославившийся подделкой картин Яна Вермеера и Питера де Хоха.

Скандалы, связанные с обнаружением подделок, сотрясают художественный мир регулярно. Иногда обман раскрывается самым неожиданным образом. Курьезный случай произошел во время визита Марка Шагала в одну из нью-йоркских галерей. Художник увидел в экспозиции картину, подписанную его именем, и не узнал ее. Автор поддельного шедевра Дэвид Штайн был найден и арестован. Но этот эпизод — счастливое исключение из правил. Обычно для установления подлинности картины экспертам приходится задействовать внушительный набор знаний и инструментов. Первоначально, когда полотно поступает к специалистам, его соотносят с другими работами автора — это искусствоведческая экспертиза. Часть картин отсеивается уже на этом этапе.

Если же эксперты допускают, что перед ними подлинник, проводится технологическая экспертиза — с применением различных техник исследования. Среди них есть секретные, но основные способы распознавания подделок все же известны.

Так, перелицовку помогает выявить микроскоп. Со временем на картине появляются трещины — кракелюр. Если поддельная подпись художника наносится на старую картину, краска затекает в трещины. Под микроскопом это будет видно.

Другой инструмент, к которому часто прибегают эксперты — рентген. С его помощью можно обнаружить подготовительный рисунок или следы реставрации, выявить особенности грунта и холста. Этот метод помог, например, распознать подделки картин знаменитого мариниста Ивана Айвазовского. Фальсификаторы использовали в работе титановые белила, которые появились в продаже лишь в 1920-х — спустя два десятилетия после смерти художника.

Источник

25 стилей живописи – как отличить кубизм, фовизм, модерн и банку супа

Картины человечества — из пещеры на «Фабрику», от «поцелуя Иуды» к селфи с Моной Лизой

Что читают с этим материалом?

Зайдя в зал Лувра, где представлена «Мона Лиза» Леонардо да Винчи, вы наверняка увидите огромную толпу туристов, делающих селфи на фоне крошечного портрета. Некоторые посетители, у которых не хватает наглости протолкнуться в первый ряд, фотографируются на фоне столпотворения и поспешно переходят в соседний зал — там висят картины Ренессанса. Там они тратят тоже не более 15 минут, запечатлевая себя на фоне огромных полотен, ведь на стенах — сотни почти одинаковых работ с кающимися святыми, купидонами и обнаженными богинями.

Другое дело — музеи альтернативного искусства! Но и тут зритель негодует: «Я тоже умею рисовать такие каракули! Что в них особенного?». Чтобы понять, как художники от «Поцелуя Иуды» перешли к «Банке супа», мы вместе с экспертами разобрали самые значительные эпизоды в истории живописи.

«Живопись — это целая школа, а не просто «каракули», — поясняет искусствовед Майя Павленко. — Понять истинный смысл картины сможет человек, обладающий знаниями об искусстве, глаз и сердце которого научены видеть и откликаться на прекрасное.

Потому селфи на фоне «Джоконды» вряд ли сделают человека духовно богаче. А «Крик» Мунка на футболке, может, и выглядит стильно на вечеринке. Но у знающих людей вызовет недоумение и вопрос к носителю: «А знаете ли вы, что художник написал „Крик“, находясь между скотобойней и психбольницей?».

Первые в мире художники — неандертальцы

Сцены охоты на стенах пещер 36 000 лет назад — дело рук неандертальцев. Но «что этим хотел сказать автор», ученые выясняют до сих пор. Возможно, картины были частью шаманских ритуалов или «летописью» жизни племени.

Пещера Ласко во Франции. Фото wikipedia.org

Картины человечества —

Египет: искусство для мертвых

Изображения на стенах Египетских пирамид скорее инструкции о том как нужно жить, служить фараону и чем заняться после смерти. За всю историю Египта ни сюжет, ни исполнение рисунков почти не менялось.

Фрески на стенах египетских гробниц. Фото wikipedia.org

Картины человечества —

Фаюмские портреты

После колонизации Египта римлянами египетским художникам стало интересней, но так и не удалось выбраться далеко за стены усыпальниц.

Так в II веке нашей эры появились «Фаюмские портреты». Они изображали лица усопших египтян в лучших традициях греческой культуры. А та перекочевала сюда после завоевания Египта Александром Македонским.

Фаюмские портреты. Фото wikipedia.org

Несмотря на это христианским иконописцам ничто не помешало воспользоваться техникой старых мастеров и применять ее при написании икон.

Иконопись и Средневековье:

«плоские» религиозные сюжеты не изменялись 11 столетий

Чимабуэ «Маэста», 1286. Фото wikipedia.org

Фрагмент триптиха Босха «Сад земных наслаждений. Рай», 1515. Фото wikipedia.org

Босх поместил демона в центр рая, а себя — в ад

Божественное наказание было главной темой религиозного Средневековья и даже Раннего Возрождения. Вдохновившись народным творчеством, нидерландец Босх в 1500 году изобразил все «прелести» земного и потустороннего бытия.

Иероним Босх «Сад земных наслаждений. Ад», 1515. Автор поместил себя в ад за пьянство. На картине его ноги вростают в лодки, символизирую шаткую походку. Фото wikipedia.org

Ренессанс: реальные люди и авторское право

После эпидемий чумы в Европе появляется новое философское течение — гуманизм. Человеческая жизнь становится высшей ценностью и все вокруг создано лишь для того, чтоб сделать человека счастливым.

Святые становятся «ближе к народу». Их изображают не только на небесах, а и среди уютных современных интерьеров в обществе богатых заказчиков картин: пап и священников, меценатов.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», 1486. Фото wikipedia.org

Портрет четы Арнольфини с надписью на зеркале «Здесь был Ян Ван Эйк», 1434 год. Фото wikipedia.org

Суета сует

Пауль Рубенс «Святой Георгий с драконом», 1607. Фото wikipedia.org

Барокко. Все смешалось: кони, люди…

Пауль Рубенс «Генрих IV получает портрет Марии Медичи», 1640. Фото wikipedia.org

Маньеризм

Период: 16 века — первая треть 18 века.

Сюжеты: художники в своем творчестве снова обращаются к религии.

Стиль: изображения контрастные, позы людей напряженные, силуэты нереалистично вытянутые.

Эль Греко «Кающаяся Магдалина «, 1580. Фото wikipedia.org

Классицизм: хранители традиций и эффект Голливуда

В XVI веке художники, посчитав, что Боттичелли и компанию превзойти невозможно, заточились в академиях и мастерских до XIX века. Беспрекословно следуя стилистическим доктринам Ренессанса, они довели живопись до совершенства и максимальной четкости, которую сейчас может отобразить формат Full HD.

Период: 17 век — 19 век.

Стиль: использование и сохранение всех техник живописи разработанных в эпоху Ренессанса. Объемное изображение людей и перспектива, реальность изображается «по-голливудски» приукрашенной.

Карл Брюллов «Всадница», 1832. Фото wikipedia.org

Романтизм: хрупкость человеческой жизни на фоне величественной природы

Период: конец 18 век — начало 19 века.

Сюжеты: эпичные сцены, пейзажи, буйство природы, заброшенные или уединенные развалины.

Карл Лессинг «Монастырский двор в снегу», 1825. Фото wikipedia.org

Уильям Тернер «Маяк Белл-Рок», 1819. Фото wikipedia.org

Реализм: быт без прикрас

В противовес и романтизму и классицизму появился реализм. Задача таких картин — изобразить действительность, как она есть.

Период: 17 век — 19 века.

Илья Репин «Бурлаки на Волге», 1873. Фото wikipedia.org

Модерн: каждая деталь быта становится произведением искусства

Период: конец 19 века — начало 20 века

Сюжеты: вольная интерпритация мифических легенд и историй.

Стиль: флористические орнаменты, золотой декор.

Техника: фрески, плакаты, иллюстрации.

Густав Климт. Гигиея — фрагмент картины «Медицина». Роспись потолка для Венского Университета, 1894. Фото wikipedia.org

Альфонс Муха «Девушка с лилиями». Фото wikipedia.org

ХХ время пост-нео-измов

Модернизм это общее название стилей искусства, которые отличаются от предыдущих традиций живописи. Стили сменяются очень быстро и развиваются параллельно. Их объединяет склонность к беспредметному самовыражению художников и эпатажу.

Символизм

Период: конец 19 века — начало 20 века.

Философия: искусство должно стремиться к высоким идеалам и изображать их в метафорической форме.

Михаил Врубель «Демон поверженный», 1902. Художник самостоятельно разработал смесь красок для перьев. Картину он заканчивал прямо на выставки, где представлял свои работы. Фото wikipedia.org

Примитивизм

Период: конец 19 века.

Стиль: имитация детских рисунков и наскальной живописи.

Пауль Клее «Акробатический номер», 1923. Фото wikipedia.org

Импрессионисты: вышли на улицу и забанили черный цвет

Период: конец 19 (1872) века — начало 20 века

Сюжеты: пейзажи, счастливый и умиротворенный быт

Особенность: передать мир, через свои впечатления

Стиль: нереалистичность фигур, множество цветовых оттенков.

В 1870-х годах, выбравшись из мастерских на свежий воздух, жадные к впечатлениям художники передают в картинах мимолетные ощущения, эксперементируя с цветом. Были у импрессионистов свои табу: социальные вопросы и черный цвет. Тем не менее некоторые картины были исключением «Олимпия» Мане вызвала возмущение у французкой публики. Поскольку на картине изображалась жизнь куртизанки.

Эдуард Мане «Олимпия», 1863. Фото wikipedia.org

Мане и Моне. На своих картинах Эдуард Мане часто изображал людей в реалистичной манере. Клод Моне был увлечен пейзажами и комбинациями красов.

В конце жизни Моне удалился и написал более 350 полотен с кувшинками, которые выращивал своем пруду.

Клод Моне «Водяные лилии в цвету», 1840. Фото wikipedia.org

Постимпрессионизм

Период: о второй пол. 1880-х гг. до нач. XX в.

Стиль: эксперименты с разными способами нанесения краски, импасто.

Позже Ван Гог, Гоген и Сезанн больше стали уделять внимание не только передачи минутного впечатления, но и стилю изображения, техники нанесения краски на картину. Это время когда европейскому обществу открылась восточная живопись. Вдохновившись этими работами Ван Гог добавляет в свои картины черные контуры. Кроме того, Ван Гог первым стал писать свои картины густо нанося краску на полотно пальцем или мастихином. Такая техника называется — импасто.

Винсент Ван Гог «Портрет Папаши Танги», 1887. Фото wikipedia.org

Фовизм

Период: 1900−1910.

Особенность: художники экспериментируют над тем, как изобразить перспективу и объем только при помощи цвета и расположения предметов на полотне.

Стиль: простые очертания предметов, отсутствие тени.

Живопись художников вдохновленная одним из периодов творчества Матисса, который эксперементировал над изображением перспективы при минимальной детализации объектов. Течение было промежуточным и привело к дальнейшим эспериментам художников с цветом и абстракциями.

Анри Матисс «Красная мастерская», 1911. Фото wikipedia.org

Кубизм

Период: 1907−1973

Сюжет: в начале ХХ века Пикассо упростил окружающий мир на своих картинах до простых геометрических фигур. Элементы композициции сочетаются между собой в коллажной технике.

Пабло Пикассо «Портрет Доры Маар». 1937. Фото wikipedia.org

Чудеса абстракции: круг должен быть синим

Особенность: художники пытаются изобразить звуки и свои ощущения исключительно при помощи геометрических форм и цвета. На картине нет ничего похожего на реальные предметы.

Василий Кандинский «Колебание», 1925. Фото wikipedia.org

Казимир Малевич, «Чёрный супрематический квадрат», 1915. Фото wikipedia.org

Экспрессионизм: эмоциональная разгрузка

Техника: реакция на острые проблемы современного общества передается за счет цвета.

В этом течении художники выплескивали на холст все негативные эмоции. Так они изображали свою реакцию на уродливость послевоенного мира без украшательств. Самый яркий пример этого стиля — «Крик» Мунка 1919 года. Она написана в доме, который находился между скотобойней и психбольницей.

Эдвард Мунк «Крик», 1893. Фото wikipedia.org

Джексон Поллок возводит в ранг искусства огромные полотна, которые хаотично обрызганные краской. Он стал идеологом абстрактного экспрессионизма — выражая свои эмоции через пятна красок. Своему искусству он не приписывал никаких тайных смыслов и создавал работы, чтоб зритель получал эстетическое удовольствие от увиденного. Однимв след за Малевичем он заявил, что визуальное искусство не должно быть связанное с тем, что мы можем увидеть в реальном мире. Оно самобытно существует само по себе.

Джексон Поллок «Лето: номер 9А», 1948. Фото wikipedia.org

Сюрреализм: сны и страхи как общественное достояние

Сюжеты: комбинации необъяснимых образов без логической взаимосвязи, визуализация снов, мыслей и страхов авторов.

В начале ХХ века сюрреалисты начали визуализировать образы своего подсознания. Неоднозначность этого искусства привела к ссорам внутри самого течения. В 1936 году Дали отделился от группы. «Сюрреализм — это я», — сказал он и стал человеком-брендом. Дали использовал свою эпатажность и талант живописца где только мог. Создал лого Chupa Chups, снялся в рекламе шоколадки и написал обложку для Vogue.

Сальвадор Дали «Атомная Леда», 1949. Фото wikipedia.org

Поп-арт: предметы искусства такой же товар, как банка супа

Сюжеты: предметы быта, объекты современной медиа культуры.

Стиль: яркие краски, плоские изображения, похожие на мультипликацию.

Особенность: главное яркость картинки, возможно не сочетаемсоть изображенного и смысла.

В 1963-м Энди Уорхол покупает себе студию и называет ее «Фабрикой». Свои работы он изготавливает в нескольких экземплярах, превращая творчество в производство. Так и появляется поп-арт — искусство для масс.

Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл», 1962. Фото wikipedia.org

Гиперреализм: рисую по фотографии. Очень дорого!

Период: пик популярности 1990−2000.

Сюжеты: портреты людей.

Стиль: копия конкретного запечатленного на фотографии момента.

Источник